Дмитрий Астрахан: «Мой жанр – разнообразие!»

Просмотр профиля

Сегодня в Рижском русском театре им. М. Чехова зритель увидел очередной спектакль знаменитого российского режиссера Дмитрия Астрахана «Билет в один конец». Накануне премьеры журналист побывала на генеральной репетиции спектакля и пообщался с режиссером.

Заняв место поближе к режиссеру, я стала наблюдать за действием, разворачивающимся на сцене.

Коммунальная квартира – это особое пространство и особые отношения. А уж если в коммуналку приезжают гости, то эффект и вовсе непредсказуем... Но первое, что поразило, – совсем не коммунальные перипетии, в которые уводят нас события спектакля. Удивляло, как на все это реагирует автор постановки сам Дмитрий Хананович Астрахан. Он то слово в слово следовал за актерами по тексту, тихонечко шевеля губами, то делал какие-то заметки на листах бумаги, а то вдруг разражался таким заразительным смехом, что казалось, будто все происходящее на сцене он видит впервые...

– Ну и что, что я все это видел уже сотню раз! Понимаете, когда актеру удается сыграть со стопроцентным попаданием, это не может не вызвать смех. Это показатель, что все делается правильно.

Человеческая история

– Дмитрий Хананович, это ведь не первый ваш поставленный в Риге спектакль. Что заставило вас вновь взяться за работу в нашем театре?

– Совершенно верно, я уже здесь ставил «Леди на день» и получил такое большое удовольствие и от процесса, и от результата, что когда возникло предложение поставить еще одну вещь здесь, я с удовольствием согласился это сделать.

– Тогда расскажите немного об этом спектакле!

– Это пронзительная история драматурга Александра Углова. Очень понятная и человеческая история. Мне всегда очень сложно определять жанр своих работ, я всегда говорю, что жанр, в котором я работаю, это разнообразие. На мой взгляд, именно такой подход отражает жизнь, всю ее многогранность. Ведь жизнь не может быть только комедией, только драмой или только лирикой – в ней все сплетено. Если эта история заставит вас переживать, где-то улыбнуться, где-то взгрустнуть, растрогаться, я буду считать, что мы свое дело сделали.

По сути, это спектакль о счастье, о том, как оно зыбко и как его легко разрушить. Это произведение о том, что ко всему в жизни надо относиться очень бережно. Понимать, что маленькая потеря может привести к огромной человеческой драме. Иногда спектакль заставит задуматься, что жизнь трагична сама по себе. И почему-то хорошие люди очень часто бывают несчастливыми. Думаешь об этом и удивляешься, почему так, за что...

Театр отличается от кино словом «завтра»

– Имя Дмитрия Астрахана в первую очередь ассоциируется с кино и куда в меньшей степени – с театром. А в какой области вы себя чувствуете лучше?

– Что я обожаю в театре, так это сам процесс работы с артистами. В театре есть своя уникальная особенность – это наличие для режиссера слова «завтра». Что сегодня не сделал, завтра поправлю, доделаю, обдумаю еще.

В кино такого понятия, как «завтра», нет. Не снял в назначенный день – переснимать каждую сцену не будешь. Потому что это большие деньги – производственный процесс в кино очень дорогостоящий. Здесь нет права на ошибку и на ее исправление. А в театре можно переделывать, переигрывать, просто смаковать работу с актерами.

– Помимо многочисленных полнометражных фильмов вы также снимаете сериалы. Вот глядя на спектакль «Билет в один конец», складывается ощущение некой «сериальности». То ли сюжет незамысловатый, то ли тема любовного четырехугольника очень уж типична для мыльных опер.

– На самом деле все даже самые выдающиеся драмы в основе своей имеют весьма простенький сюжет. Сериал я, кстати, ставил только один – это «Зал ожидания». Понимаете, за любой простотой и легкостью всегда стоит огромная тяжелая работа. Но при этом во всей этой легкости и незамысловатости ты можешь поднимать очень сложные вопросы внутри. Легкое исполнение не всегда значит отсутствие глубокой идеи. А за внешне серьезной вещью может быть просто тяжелая пустота и скука.

Тонкая вещица

– Дмитрий Хананович, а как вы подбирали актеров для этого спектакля? Борис Плоских и Татьяна Лукашенкова, которые являются мужем и женой, специально были выбраны вами на роль супругов Коли и Марины?

– Нет, здесь вопрос был только в том, кто сможет изобразить это лучше.

– Ну, судя по тому, что в спектакле заняты актеры, которые в принципе являются нашими корифеями сцены, вы решили не делать ставку на молодых артистов?

– Понимаете, эта пьеса требует хорошей игры. Пьеса-то чисто актерская! Тут нужно очень точно играть. Вроде бы такие простые события, но они требуют практически филигранной работы, актер должен суметь реализовать очень сложные психологические вещи. Тут важно суметь очень тонко сделать переход от драмы к юмору. Так, чтобы все это не скатилось в какой-то примитив.

– Сейчас наша страна, да и не только наша, переживает довольно сложные времена, и многие режиссеры пытаются черпать из этого свой рабочий материал. Делают ставку на какие-то острые социальные темы, опять что-то нагнетают. А в вашей работе абсолютная легкость...

– То, что называется «на злобу дня», меня мало интересует. Злоба дня должна возникнуть из каких-то характеров, отношений героев. Я просто считаю, что со зрителем всегда нужно говорить о вещах общечеловеческих.

Главный в театре – режиссер

– А что, по вашему мнению, должно быть присуще театру, чтобы он имел высокий уровень, чтобы у него была перспектива?

– Главное – это, конечно, хороший режиссер, который жил бы этим театром. От него зависит, чтобы артисты заиграли пронзительно, чтобы раскрыли все грани своего таланта. Если что-то не сделано или сделано плохо – виноват режиссер. Артист всего лишь следует указаниям и выполняет задачи, которые перед ним ставят.

Если режиссер на это не способен, начинается тусклая, незаразительная игра. Профессия режиссера заключается в том, чтобы найти что-то, что взволнует каждого человека. Можешь это сделать – профессионал! А если у режиссера это не получается, он начинает рассказывать, что его искусство не для всех, что он работает для потомков, для вечности. В общем, начинается обычное пустословие... Режиссер – это особенность человеческого мышления, склад ума: либо то, что он придумал, воздействует на зрителя, либо, как бы он ни выдумывал, как бы ни старался достучаться до зрительского сердца, его работа не имеет отклика.

И совершенно не важно, приглашенный ли это режиссер из Москвы или местный, – хороший режиссер может взяться откуда угодно. Это вопрос таланта. А ведь ваш театр знал великих режиссеров – и Каца, и Шапиро. Это был высочайший уровень, масштаб!

– А сейчас, на ваш взгляд, какой уровень у театра?

– Знаете, я ведь все-таки занимаюсь только своим спектаклем и мало что видел. Сложно судить. Но по тому, как работают здесь актеры, по тому, какой здесь настрой, могу сказать, что будущее у театра есть. // Анастасия РУЖАНСКАЯ, «Час»

P.S.

Кресло худрука снова опустело

В очередной раз Рижский русский театр им. М. Чехова остался без художественного руководителя.

Молодой российский режиссер, лауреат «Золотой маски» Андрей Прикотенко, несколько лет занимавший должность художественного руководителя театра, в воскресенье отбыл на родину, в Питер. Эта новость, по правде сказать, стала неожиданностью. Еще совсем недавно Прикотенко вдохновенно рассказывал нашей газете о своих творческих планах и с оптимизмом смотрел в будущее. И вот он улетел.

Как рассказала «Часу» пресс-секретарь и администратор Рижского русского театра им. М. Чехова Наталья Бастина, отъезд Андрея Прикотенко связан с семейными обстоятельствами. По словам Натальи Бастиной, Прикотенко всегда был вынужден разрываться между Ригой и Питером. Главная причина – это редкие встречи с семьей. Младшему ребенку Андрея Прикотенко ведь еще только годик, а из-за работы в Риге видеться с семьей практически не удавалось. // Рита НАСТИНА, «Час»

Фото Мариса ДЕДЗИНЬША

1. Пожалуйста, оцените эту публикацию: « + » или « – » в блоке «Рейтинг».

2. Если публикация понравилась – рекомендуйте ее друзьям:
нажмите на лого вашей соцсети в блоке «Рассказать другу».

3. Это поможет нам сделать этот портал интереснее. Спасибо! Вернуться